En un necesario ejercicio de revisionismo de la historia del diseño en Argentina y Latinoamérica, donde la labor de grandes creadoras comienza a ocupar el lugar que le corresponde, la figura de Tite Barbuzza emerge desde la provincia de Mendoza.
Diseñadora gráfica y editorial, su impronta visual no solo capturó el pulso de la "época dorada" del rock nacional, sino que también se expandió hasta definir la estética de la música electrónica en Barcelona.
La exposición “Imágenes Sónicas. Diseño para la música de Tite Barbuzza” (curada por Víctor Boldrini y que está en este momento en exhibición en el Museo Municipal de Arte Moderno de Mendoza) funciona como homenaje a la trayectoria de la diseñadora, pero también es una crónica visual de una parte de la historia del rock y del pop de las últimas décadas.
La muestra celebra a la profesional que, desde su rol como directora de arte y diseñadora gráfica en los años 80, trabajó para Soda Stereo, GIT, Enanitos Verdes, David Lebón, Andrés Calamaro y los sellos CBS y BMG,dejando piezas icónicas como el diseño del logo y del álbum Doble Vida de Soda Stereo. También trabajó para la radio Rock&Pop.
Pero la visión de Barbuzza trasciende las fronteras del rock criollo. Colaboró con la revista tipoGráfica en Buenos Aires (vivió un tiempo mientras estudiaba Diseño Gráfico en la UBA, luego se recibió en la FADUN Cuyo, Mendoza.
El sistema del logo de Soda Stereo aplicado tarjetas y vinilos.
Posteriormente, participó en el escenario cultural de Barcelona, como colaboradora de la editorial Actar y autora del libro Barcelona Club Flyers (vivió también en España y en otros países),
En este marco, desde DNI -el dossier de Diseño Nacional e Internacional de la revista ARQ- entrevistamos a Tite Barbuzza.
Boceto original a mano y pincel realizado en 1988 para Doble Vida.
-¿Cuáles fueron los criterios de selección o “de rescate” que se aplicaron para revisitar y montar la muestra y qué revela esta re-contextualización sobre el valor que tiene hoy la gráfica de los 80 y 90?
-El comienzo de todo fue poner orden mi archivo que había sobrevivido a tantas mudanzas y ver que había un hilo conductor, la imagen siempre ligada a la música. El volver al pasado es cosa de nuestra cultura, lo que pasa es que se agotan antes las décadas a las que volver.
Dentro de poco estaremos revisitando el 2025. Y eso es bueno porque el bagaje de las chicas y los chicos es increíble a todo nivel, y malo porque no hay tiempo para profundizar y detenerse en alguna inquietud.
La muestra en el MMAMM se puede ver hasta el 7 de diciembre.
“Imágenes sónicas” no deja de tener un valor didáctico ya que arranca con mi estudio de tesis “La imagen en el rock”. También se muestran los medios con los que se trabajaba en los 80 -en originales a tinta- totalmente diferentes a los utilizados en los 90 con la irrupción de la computadora personal.
De esto último hay una instalación en la muestra, donde un libro gigante te invita a recorrerlo, una clara alusión a BCF: Barcelona Club Flyers, un libro de flyers para música electrónica de más de 500 flyers y 100 autores. El criterio es hacer conversar a esos dos bloques temáticos.
Un diseño "que sea fácil de copiar"
-Volvamos al momento de la creación de la marca para el álbum Doble Vida de Soda Stereo. ¿Cuál fue el briefing o la consigna que te llevó a concebir esa marca tan memorable? ¿Cómo se tradujo la sonoridad de esa banda a una forma gráfica tangible y atemporal (bah, si la considerás atemporal)?
-Sí, tiene casi 40 años de gira ¡Y aún se mantiene joven!. Las consignas del grupo eran “volver a la calle” y “que fuera fácil de copiar”. Y se cumplieron. Querían acercarse a la gente y de algún modo volver a la época del primer disco, donde los fans de copiaban los dibujos de las caras y el damero a cuadros negros y blancos de Charly Alberti.
En el logo más icónico de la banda se puede ver un perfil humano, un "tipito".
- Repasando el arte de tapa que diseñaste para Soda, GIT o Enanitos Verdes ¿Hubo una intención de generar un sistema gráfico para la "época dorada" del rock o cada trabajo fue una respuesta singular al pulso musical del momento?
No, conscientemente no. Claro que te inspirabas en lo que mágicamente llegaba a Buenos Aires de Europa, sobre todo. Pero yo, en particular, no buscaba una estética definida. Era más bien conceptual, racional e intuitiva.
Con cada artista trabajás de distinta manera, sos como una psicóloga de ideas a las que hay que transformar en unidades comunicacionales. Por otro lado, los códigos de cualquier tribu urbana se van moldeando minuto a minuto, con lo que es imposible tratar de establecer normas específicas. Es más bien al contrario, tratar de rescatar un código y recrearlo, resignificarlo.
La muestra en el MMAMM se puede ver hasta el 7 de diciembre.
- ¿Quién tomaba la decisión final sobre la tapa de un disco y cómo defendías tu propuesta en ese ecosistema de alta presión comercial?
Por suerte nunca hubo problemas, porque los artistas con los que trabajaba eran de tal peso que su decisión era la que siempre se imponía, con el apoyo de la agencia de management.
Sin fórmulas
- ¿Alguna anécdota que puedas contar o dato de aquella época?
Tengo hermosos recuerdos de amigas y amigos que aquella época, algunos hasta hoy. El día que se tomó la foto de la tapa de Doble Vida hacía muchísimo frío.
El boceto del flyer, hecho a mano.
La marca de Doble Vida es un hito con vocación de permanencia. ¿Cómo se logra diseñar identidades visuales que trasciendan el scroll y adquieran valor cultural tangible en esta época?
No creo que se pueda cuantificar el valor de patrimonio cultural. La gente lo hace, lo usa, le da sentido. Que la gente se apropie de una marca emocionalmente como la de Soda no es algo que se consiga mediante una fórmula de manual. Es un sentimiento.
- En esa época, el diseño se materializaba en el formato físico (vinilo, cassette). ¿Qué implicaba a nivel compositivo y narrativo trabajar en esos formatos editoriales limitados, a diferencia de la fluidez del diseño digital actual?
- Llevaba más tiempo y más materiales, estabas limitado en cuanto a la “forma” de hacer, usabas la imaginación de otra manera, como hacer una especie de psicodelia con agua y tinta. Se dedicaban infinidad de horas a los proyectos, con lo cual la relación que establecías con ellos era distinta, más íntima.
El libro gigante de BCF, en la muestra.
- En la efervescencia cultural de los años 80, ¿cómo era ser una directora (mujer) de arte y diseñadora en la industria discográfica? ¿Qué desafíos encontraste al trabajar en ese ambiente y cómo creés que tu mirada se diferenció?
No tenía reuniones con la gente de las compañías discográficas. Yo nunca tuve un problema, y era súper profesional en lo mío, por eso nunca nadie tuvo nada que decirme.
En cuanto al diseño siempre fui de escuchar a clientes y clientas. Mi misión es que estén contentos con lo que están transmitiendo, con el mensaje, que sea correcta la data y, sobre todo, que tenga belleza. La belleza, que puede ser encontrada en infinitas formas, comunica.
Sobre la firma
Lorena Obiol
Editora de la sección de Arquitecturalobiol @clarin.com
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